Coreomanías inspiradoras: Las personas que ‘bailaron hasta morir’

 

En los aproximadamente 400 años transcurridos desde que ocurrió este extraño evento, la llamada «plaga de la danza» de Estrasburgo, se han propuesto muchas teorías para explicar qué sucedió exactamente. Es un evento que nos atrapa hasta el día de hoy, invitando a volver a contar e inspirando a artistas y creativos a dar su propio giro a estos extraños sucesos.

En mayo se lanzaron dos obras importantes con el tema de las plagas de la danza: el álbum Dance Fever de la estrella pop Florence + The Machine, y The Dance Tree del autor superventas Kiran Millwood Hargrave. Ambos han utilizado la idea de la coreomanía (como se denominó más tarde el fenómeno) para crear obras altamente inmersivas que meditan sobre la restricción y el éxtasis.

Aunque ahora es el ejemplo más famoso, Estrasburgo no fue la única «plaga de la danza» que golpeó a Europa durante la época medieval y moderna. Se registraron muchos casos de baile incontrolado o amenazante en Alemania, Francia y otras partes del Sacro Imperio Romano Germánico. En siglos anteriores estos hechos se interpretaban como castigo divino o posesión demoníaca, remediados con soluciones religiosas como procesiones, misas o la intervención directa de los sacerdotes. Dos décadas antes del verano de 1518, un clérigo de Estrasburgo llamado Sebastian Brant escribió en su alegoría satírica El barco de los locos «que la danza y el pecado son uno en especie», culpando a Satanás por todo este «baile vertiginoso hecho alegremente».

Varios años después del incidente de Estrasburgo, el médico Paracelso se embarcó en una serie de tratados sobre la coreomanía, entre ellos Las enfermedades que privan al hombre de su razón, como la danza de San Vito, la enfermedad que cae, la melancolía y la locura, y su tratamiento correcto. Paracelso, quien ahora es mejor conocido por su trabajo pionero sobre la química en la medicina, argumentó que este fenómeno probablemente era más terrenal que divino. Sugirió que las «venas de la risa» de una persona podrían provocar una «sensación de cosquilleo» que subía desde sus extremidades hasta su cabeza, nublando el juicio y provocando un movimiento extremo hasta que la sangre frenética se calmaba.

Esto no fue para ausentarse del pecado por completo. Los más comúnmente afectados por la danza, escribió Paracelso , incluían «putas y sinvergüenzas que disfrutan tocando la guitarra y el laúd … satisfaciendo [ing] toda voluptuosidad, placer corporal, imaginación y fantasía». Sus elaboraciones sobre las posibles causas fueron menos arcaicas. Argumentó que la «imaginación» era un culpable más plausible que Dios o el diablo. La imaginación, dijo Paracelso , «no solo vuela de una casa a otra… sino que también pasa muy rápidamente de una ciudad y un país a otro, de modo que por la imaginación de una sola persona, la pestilencia puede entrar en toda una ciudad o país». País.»

Esta interpretación se alinea más estrechamente con las teorías actuales sobre la enfermedad psicógena masiva, inducida por circunstancias políticas y sociales febriles. Durante un tiempo hubo especulaciones sobre si el cornezuelo de centeno, un moho que se encuentra en los tallos de centeno y que podría provocar poderosas alucinaciones y convulsiones, podría ser el responsable, pero en gran medida se han descartado. John Waller, el autor del libro de no ficción más popular sobre el tema A Time to Dance, A Time to Die: The Extraordinary Story of the Dancing Plague of 1518 , en cambio caracteriza la coreomanía como una «epidemia psíquica» similar a otras alrededor del mundo. mundo que involucra otras respuestas corporales involuntarias como reír o desmayarse.

 

Coreomanía moderna

En última instancia, la historia de un verano surrealista en Estrasburgo es solo eso: una historia. El baile masivo de alguna forma está documentado en al menos seis crónicas contemporáneas diferentes y, según los informes, los movimientos de los bailarines continúan durante semanas. Frau Troffea es nombrada instigadora en varios de ellos. Más allá de eso, los detalles comienzan a divergir. Se dan varias fechas de inicio. Se enfatizan diferentes métodos para tratar el fenómeno. Como muchos otros eventos históricos, un retrato se dibuja a partir de fragmentos.

Independientemente de los hechos reales, la historia sigue cautivando nuestra imaginación: una figura solitaria que desencadena un movimiento de masas; una danza que es tan cautivadora, tan consumidora, que trasciende la voluntad individual y la limitación física, a veces con consecuencias mortales. Es el tipo de evento que atrapa incluso a aquellos de nosotros que continuamos escribiendo sobre él hoy, nuestra prosa llena de detalles evocados sobre el daño causado a los dedos cansados ​​o el tic y el latido del corazón de Frau Troffea.

La danza incontrolable tiene un efecto hechizante en quienes la contemplan. Uno solo tiene que pensar en el popular cuento de hadas de Hans Christian Andersen Los zapatos rojos, con sus malditas zapatillas de cuero escarlata que condenan a su dueña a un baile tan tortuoso que finalmente encuentra un verdugo para amputarse los pies. Es una historia horrible, y a la gente le encanta. Aunque sus implicaciones morales son relativamente sencillas (una buena dosis antigua de castigo por la vanidad: el usuario de los zapatos pasó por esta terrible experiencia porque se atrevió a codiciar un calzado tan hermoso en primer lugar), sus sugerencias más oscuras de posesión y movimiento incesante han inspirado numerosos obras que incluyen una película de Powell y Pressburger, un álbum de Kate Bush y varios ballets.

Este verano, la plaga del baile vuelve en serio. El quinto álbum de Florence + The Machine, Dance Fever, lanzado hoy, se inspira en los imparables impulsos de la coreomanía. Las notas de la versión adjuntasesboza el interés de la líder Florence Welch en este punto de encuentro volátil entre el movimiento energético y el pánico moral, además de tocar la resonancia obvia del tema en un álbum grabado durante la pandemia de Covid-19, cuando se extrañaba «el torbellino de movimiento y unión» y anticipado. Una plaga de baile es un tema apto para alguien que quiere explorar la incertidumbre y el cambio. Las primeras líneas de la canción Choreomania, escrita antes de la pandemia, son asombrosamente proféticas: «Y me estoy volviendo loco en medio de la calle / Con la completa convicción de alguien a quien nunca le ha pasado nada realmente malo». También es apto para un cantante tan constantemente preocupado por el cuerpo como herramienta de expresión. Vídeos musicales del álbum’

Mientras tanto, la última novela del autor Kiran Millwood Hargave, The Dance Tree, analiza específicamente los supuestos eventos del incidente de Estrasburgo de 1518 a través de las vidas de las mujeres involucradas en él. En la versión de Millwood Hargrave, la plaga danzante se convierte en una aflicción solo para mujeres: comienza con Frau Troffea, moviéndose «como si estuviera siendo arrastrada entre dos cuerdas diabólicas atrapadas alrededor de sus extremidades», y se convierte en una abrumadora multitud de «cuerpos pulsantes» que interrumpir y perturbar todo lo que les rodea. Escrita en tercera persona, la historia se ve en gran medida a través de los ojos de Lisbet, una apicultora embarazada endurecida por la pérdida y que busca desentrañar los misterios de la familia con la que se ha casado. Ella es una espectadora, no una participante. Pero a medida que la danza cambia la naturaleza de la ciudad, también la cambia a ella. Revelaciones se desarrollan. Los deseos llegan a un punto crítico. Este hilo narrativo se teje con breves retratos de las mujeres que se incorporan al baile: mujeres que han perdido a sus padres, a sus hijos oa sus mentes; mujeres que han conocido la pasión, a las que se les ha negado; mujeres que permanecen como espectadoras hasta que no pueden resistir la promesa de libertad que se encuentra en el centro de una multitud que se balancea.

 

 

Éxtasis e ira

Quizás era inevitable que la plaga danzante recuperara popularidad ahora. Los últimos dos años han generado un interés febril en las muchas pandemias que nos han precedido, desde la peste negra hasta la gripe española. Los hemos mirado no solo para comparar, sino también, aparentemente, para asegurarnos de que todas las epidemias finalmente terminan. Dentro de eso, algo tenuemente clasificado como una plaga donde el contagio no es una enfermedad, pero el movimiento siempre sería atractivo. Como reconoce Welch, una de las cosas que se perdieron durante el confinamiento fue la comunalidad del baile: esa exquisita sensación de estar físicamente cerca de cientos de otras personas, todos llevados por la música que domina los músculos y convierte a un mar de extraños en compañeros de viaje unidos por sentimientos compartidos. experiencia.

Es una preocupación contagiosa. En julio de 2020, Jonathan Glazer estrenó una película de 10 minutos titulada Strasbourg 1518 (BBC Films/ Artangel) con artistas solistas bailando hasta el cansancio. Este año, con el teatro de nuevo en pleno apogeo, producciones como The Maladies en el Almeida Theatre de Londres, Dance to the Bone en el Sherman Theatre de Cardiff y The Dancing Public de Mette Ingvartsen (actualmente de gira por Europa) han aludido a los eventos en Estrasburgo. usándolos para enmarcar meditaciones sobre la opresión, la desconexión y el movimiento de masas.

El atractivo sensorial de este fenómeno no es del todo específico del coronavirus. Habla de otras preocupaciones contemporáneas. «Creo que cuanto más presionadas y reglamentadas están nuestras vidas, y cuanto más se administra el tiempo… más tenemos esta necesidad de producir y ser eficientes, y más acordonados y vigilados están nuestros espacios públicos… más fantasía, sueño, impulso. por soltarse [crece] fuerte», dice Kélina Gotman, autora de Choreomania: Dance and Disorder . El libro de Gotman, que se ocupa en gran medida de la patologización de la coreomanía, está menos interesado en los orígenes de los episodios de baile que en cómo se han escrito, interpretado y utilizado estos momentos para justificar diferentes ideologías.

Liberarse es una idea central tanto para Dance Fever como para The Dance Tree. «Hay algo altísimo, esperanzador: un abandono», escribe Millwood Hargrave en el último de la creciente multitud. La plaga de la danza tal como existe en su libro es una situación de desorden, pero también un refugio embelesado. «Quería ver la sensación de ser arrastrada por algo tan increíble, trascendente y extraño», me dice. «En última instancia, es un éxtasis colectivo completo».

Esta idea de la danza como un espacio extático encuentra paralelos en Dance Fever. «Pero escucho la música, siento el ritmo/ Y por un momento, cuando estoy bailando, soy libre», canta Welch en Free, su voz alcanza brevemente una nota de vulnerabilidad antes de rugir una vez más. La trascendencia en todas sus formas es un tema frecuente en las letras de Welch, ya sea que esté explorando los intentos juveniles de escapar de sí misma (bebiendo, tomando drogas, negándose a comer) o meditando sobre la abrumadora plenitud del amor. A menudo, ella también alcanza un punto de éxtasis, sus canciones no solo hablan de abandono sino que lo alientan en sus ritmos encantadores y crecientes crescendos. «Soy libre», canta una y otra vez, hasta que nosotros también lo sentimos.

La libertad no es un estado que deba darse por sentado. En The Dance Tree, hay puntos explícitos que se deben hacer sobre la autonomía de las mujeres: «la ira femenina y el deseo femenino» es como Millwood Hargrave caracteriza la preocupación central de la novela, y el poder que se encuentra en convertirse en un objeto de miedo. Bailar no siempre es bonito. Puede ser feo, aterrador, sudoroso, lleno de sacudidas en las extremidades y expresiones con muecas. Es una manera muy literal de afirmar la autonomía. Mira, dice, no puedes evitar que me mueva.

 

En el escenario religioso fuertemente claustrofóbico de The Dance Tree, el baile también va contra la corriente. Es, como tan amablemente nos recuerda Paracelso, demasiado placentero para ser algo más que sospechoso. «La danza tiene un papel tan importante en tantas culturas fuera de la nuestra, particularmente en la cultura india», explica Millwood Hargrave. «En términos de fe y movimiento… son compañeros de cama absolutamente perfectos, porque la expresión más pura de devoción está en el cuerpo». Pero dentro de las instituciones religiosas que exigen una piedad tranquila, tales gestos se vuelven peligrosos. «Es algo realmente interesante para mí que estas mujeres nunca hayan sido alentadas a mudarse…». continúa Millwood Hargrave. «En todos los demás sentidos, la iglesia es tan teatral en el lugar y la época del libro: estos hermosos edificios, el aroma, el incienso, la cera de abejas, la ropa, es todo tan camp y tan teatral. Pero una vez que estás allí, estás quieto y en silencio… Es teatro, sin el calor, sin la conexión corporal real entre las personas».

 

Una plaga de baile para todas las edades.

Los eventos de desorden masivo siempre han cautivado a los artistas. Hay algo fundamentalmente fascinante en un momento en el que se rompe el tejido social, las convenciones son reemplazadas por sucesos mucho más extraños e inexplicables. En el caso de la coreomanía, lo que surge no es solo una sensación de fascinación o autodestrucción (otro tema artístico popular), sino una protesta física. Actualmente, la idea de una plaga de baile se registra no solo como una rareza, sino como algo más liberador. Por aterrador que pueda ser un baile imparable, también tiene un atractivo. ¿Qué podría pasar si nos dejáramos llevar apropiadamente? ¿Qué se podría lograr con ese sentimiento si se replicara en los cuerpos de cientos de otras personas que se mueven a nuestro alrededor?

Dance Fever de Florence + the Machine

 

Este no fue siempre el caso. Tal como explora Gotman en su libro, una vez una plaga danzante, sin importar cómo se concibiera, era algo que debía verse con recelo. En su investigación sobre los enfoques de la coreomanía del siglo XIX, descubrió una actitud de alarma envuelta en el pensamiento colonial y el miedo a la alteridad. «Hubo una articulación real de una versión de la modernidad, en contraste con lo que se entendía como más femenino, más animal, más salvaje e indómito», me dice sobre los escritos médicos e históricos que descubrió en la era victoriana. «Había un discurso racista y altamente sexista que estaba tomando forma».

En ese momento, al contextualizar nuevas instancias percibidas de coreomanía, el período medieval era un marco conveniente para entenderlo. «Lo medieval… se comparó con lo africano, en gran medida como este tipo de [período] atrasado, no europeo y premoderno», explica. El concepto mismo de «manía de la danza» fue una herramienta política útil, que permitió la comparación cruzada con las protestas y prácticas que involucraban cualquier elemento de movimiento físico, y el rechazo de las mismas. Gotman da el ejemplo del gobernante títere Rey Radama II, quien tomó el control de Madagascar en 1861. Cuando su pueblo mostró su descontento, «ejerciendo su derecho a protestar contra estos reinos [que] vendieron sus tierras a los europeos», con el rey eventualmente depuesto,

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— Kiran Millwood Hargrave FRSL **UPDATES ONLY** (@Kiran_MH) April 12, 2022

 

Ahora el estado de ánimo predominante ha cambiado. Es precisamente la feminidad y la alteridad de una plaga danzante lo que la hace interesante. Para el artista o pensador de hoy, es tanto una curiosidad histórica como un símbolo. En el centro hay una idea simple. Un grupo de personas empieza a bailar y no puede parar. Pero por qué bailan y con qué fines sigue siendo una pregunta abierta: una pregunta que se puede hacer una y otra vez, con diferentes respuestas según lo que se busque. Locura. Hambre. Protesta. Libertad. Placer. Éxtasis. En la imaginación, sin embargo, los pies de los bailarines permanecen siempre en movimiento, moviéndose a su propio e inescrutable ritmo.

 

*BBC C

Dance Fever de Florence + the Machine y The Dance Tree de Kiran Millwood Hargrave ya están disponibles.